TERMINA EL CURSO

Debo reconocer que el curso ha pasado en un vuelo, como la luz de la luna en el eclipse de esta noche. A pesar de ello lo he disfrutado tanto, que no me pesan los kilómetros que he tenido que hacer en estos nueve meses.

Hay docentes que son decisivos en nuestras vidas, sobre todo, en la edad de la adolescencia. Reconozco que yo me he topado con algunos muy buenos, y no quiero caer en el tópico maniqueo de buenos y malos. Pero hay algunos que calan, que te llegan al alma y suponen las claves a partir de las cuales comprendemos cuán valioso es el conocimiento. En este curso, he encontrado alguno. También a compañeras y compañeros, tan jóvenes, de los que he aprendido mucho.

Nuestra Facultad de Bellas Artes, como el resto de facultades, está inmersa en un contexto de cambios y adaptaciones al Espacio Europeo que, a veces, nos ilusiona y otras no da vértigo. Pero a mi edad, la universidad se ha convertido en ese lugar en el que siempre podré mejorar y perfeccionar mi conocimiento. Y, en ese sentido, mi eterno agradecimiento.

FELIZ VERANO A TODAS Y A TODOS

SOBRE LA OBRA DE JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

“El espacio es el protagonista total del cuadro”

Esta frase del pintor catalán, quizás, nos pueda dar muchas de las claves que hilvanan su trayectoria pictórica y la manera con la que se enfrentó a su proceso de trabajo.

Ayer, el profesor y Vicedecano de Cultura y Estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, Josep Montoya, nos deleitó con un singular recorrido por la mirada, actitud y pensamiento del pintor catalán Hernández Pijuan en su pintura, con motivo de la exposición que sobre el artista se puede ver en estos días en el palacio de la Madraza de la ciudad de Granada.

Siempre he pensado que la pintura de Hernández Pijuan, de entrada, es una pintura compleja por lo desnuda, sintética, austera, silenciosa, cadenciosa, por lo libre, por lo plástica y, quizás también intuía, por lo sincera y honesta.

El profesor Montoya, que ha tenido una relación personal con el artista y es un estudioso de su obra, hizo una reflexión como él mismo señaló, de pensar a posteriori cómo ha sido el encuentro y las conversaciones con Pijuan. Y estructuró la charla alrededor de tres conceptos esenciales a tener en cuenta a la hora de enfrentarnos a la obra del pintor catalán: tiempo, orden y posicionamiento.

• TIEMPO DUAL: el que se sucede en la ciudad, tiempo de acumulación, de fragilidad, en el que trabaja con materiales frágiles como el papel y materiales fluidos. Y el tiempo que se sucede en el campo, tiempo de despojamiento, que marca el ritmo vital de otro modo, no tanto en la extensión sino que obliga a cumplir con lo necesario y a eliminar la frivolidad de todo lo que se contempla; por ello, su pintura se densifica y los materiales que se utilizan son más contundentes. Pintor y pintura, frente a frente.
• ORDEN, en el sentido de organización de las partes para hacer una pintura personal y precisa y en la que Pijuan toma tres actitudes:

- percibir / sentir

- interiorizar / memorizar

- constatar / manifestar

· POSICIONAMIENTO. Todo lo percibido es material sensible para hacer pintura. Pero en este percibir-sentir, el pintor toma el posicionamiento de deriva de la mirada en lo aparentemente conocido. Mirada conseguida, también en su persistencia y en el ritual realizado en el estudio, en la práctica de la pintura. Siendo para Pijuan la práctica de la pintura como práctica del conocimiento. Actitud que parte de la necesidad de pintar en silencio, de atención a los pequeños signos, gestos, de contemplación. Tiempo de contemplación y silencio como máximo ejercicio para sentir y conseguir la obra.

El arte si existe, dice Pijuan, es en el taller. Y es en el taller donde el compromiso con el arte se hace patente, el compromiso con un concepto del tiempo más lento y moroso, que le lleva a pensar desde el arte, desde la coherencia, desde el compromiso. Es la búsqueda de un conocimiento más completo, más complejo, más preciso de la pintura, sin sobresaltos, sin espectacularidad ni artificio. El arte siempre como cuestionamiento, como pensamiento y meditación que, en su caso, se transforma en una confesión vital que se trasluce en la esencia de sus paisajes desnudos e íntimos, en las incisiones firmes sobre la materia, en su manifestación sintética, en la sobriedad de su color, en el silencio de sus espacios, en su mirada como pensamiento.

Termino con dos frases de Pijuan que comparto:

Mientras haya emoción, no hay repetición

Los cuadros se parecen a quienes los pintan

ÚLTIMO EJERCICIO DE CLASE

Han sido muchos las dificultades personales que he tenido para concluir este ejercicio. Teníamos que interpretar y trabajar con colores enteros. Yo he utilizado los complementarios y he reforzado la línea de contorno en negro que da cierto hieratismo a la figura.

ALGO MÁS SOBRE MI PROYECTO

Desde hace algún tiempo me interesa el Arte Conceptual

En este proyecto personal trato de conocer a aquellos artistas que de una u otra manera, me aporten en mi proceso de trabajo, bien con sus conceptos teóricos o con sus técnicas de trabajo. Me ha interesado conocer a fondo y acercarme al “informalismo matérico” de Antoni Tàpies. A través de su pintura ha hecho que nos interesemos por los materiales con los que nunca se había trabajado, materiales cuya belleza antes nunca nos había mostrado el arte. En su obra el cartón ondulado, el polvo de mármol, la degradación de una superficie, la arpillera, han adquirido un valor estético tradicionalmente ignorado. Su lenguaje supuso un cambio fundamental sobre lo que hasta entonces había sido propio del arte de vanguardia e incluso sobre muchas de las variantes del que en la época se llamó “arte informal”.

De Tàpies me interesa la materia, la textura, la utilización del color: tierras naturales, ocres, azul, negro, blanco… y el que, generalemente, utilice la materia con su propio color natural; esto, para mi, ya da sentido al cuadro. Me interesa su dramatismo, su profundidad.

De Lucio Muñoz me atraen los tintes poéticos de su obra dentro también de su estética informalista, que elaboró con madera, papel, materiales rotos y pintados, a veces incluso quemados, que generan un lenguaje de dibujos y relieves íntimo y personal.

También me atrae la obra de Miquel Barceló preocupado siempre por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes. Me interesa su versatilidad temática y de materiales.

Joseph Beuys. También utiliza materiales naturales ligados a su pasado y a su memoria: maderas, metales calcinados, materiales de deshecho, fieltro, grasa, huesos…

La obra de Anselm Kiefer no sólo me interesa por su lenguaje matérico de gruesas capas de color con fuego o ácidos y combinándolas con vidrio, madera o elementos vegetales, sino porque en sus obras fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromática casi monocroma, mezclando materiales como alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar. Me interesa también su temática.

Buscando artistas que trabajen sobre la memoria, ha sido muy interesante también, descubrir la obra del pintor granadino y profesor nuestro Emilio Zurita y su exposición Memoria Líquida. Sobre la memoria dice: "es orgánica. Dejamos caer en ella nuestros propios restos. Es como una compañía deseada y detestable”.

Mucho he aprendido, como no, de Louise Bourgeois, Ana Mendieta, Soledad Sevilla, Concha Jerez –galardonada en este año con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes 2010 y a la que le asistí a un seminario de arte en nuestra facultad de Granada-, Cindy Sherman, Eva Lootz o Marlene Dumas entre otras. Cada una de ella construye su discurso personal en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del ser humano, y defienden apasionadamente la pintura y la escultura como medio de expresión.

CONTINÚO TRABAJANDO SOBRE MI PROYECTO PERSONAL

Ya he comentado en otra entrada, que desde hace un tiempo mi obra se mueve por un viaje interior que bucea a través de la memoria y el tiempo, rescatando mi relación con el pasado y con el presente, mi lucha interior por encontrar el ser que me habita, los sentimientos y las emociones que me mueven.

En estos trabajo recreo un espacio en el que el color, la materia y el gesto se mueven buscando forma y contenido, lo que se ve y lo oculto. Tengo un claro interés por explorar universos plásticos diferentes que me sirven para tomar conciencia y reflexionar sobre la vida y la muerte, sobre la incertidumbre relacionada con el tiempo y mis temores, sobre la angustia y la soledad. En definitiva el lienzo se convierte en un proceso de introspección que explora sobre mi yo, sobre mi mundo personal y el que me circunda y que, en parte, se desvela a través de lo representado.

Para mí, el arte, la creación, es una ventana desde la cual podemos reflexionar sobre nuestra existencia, desde la cual nos volvemos testigos y dueños de nuestra propia imaginación y por más muros que existan a nuestro alrededor, las imágenes permanecen haciéndonos compañía aún en el silencio de la oscuridad.

La técnica que trabajo es básicamente mixta sobre soportes de madera, papel y metal. Los formatos no son mayores de 1,70 x 1,50

OTRO EJERCICIO DE CLASE

En este trabajo me he planteado abordar el rostro en grandes dimensiones y estructurar bien el dibujo ayudándome del color. He aprovechado la textura del lienzo reutilizado, para darle mayor expresividad.

JEFF KOONS

Puppy Museo Guggenhein. Bilbao. Jeff Koons



Artista norteamericano nacido en Pennsylvania en 1955.

Su obra ha sido clasificada con frecuencia como minimalista y neo-pop. También es considerado como el artista de lo kitsch y el artista vivo más cotizado de los Estados Unidos

No parece casual su aparición en la cultura de lo global en la década de los 80, cuando reinaba el consumismo en una sociedad banal y exagerada. Descendiente directo de Duchamp y de las técnicas artesanales y baratas de Warhol, su misma vida la asume como un gesto artístico. Toda su obra se realiza en un taller que convierte en una auténtica factoría en la que trabajan más de treinta personas, similar a la que montara Andy Warhol.

Koons trabaja la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía y quizás haya sido el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Artista no exento de polémica pero indiscutible generador de ideas, la obra de Koons es irónica y malevolente y la conforman objetos convertidos en escenas sacadas de contexto. Son objetos cotidianos que coloca en galería y espacios públicos y que adquieren un nuevo valor,t trabajados con plástico, cerámicas baratas, juguetes y globos inflables, se convierten en emblemas de fama, riqueza, poder, moralidad…, que fuera de su entorno racional nos obligan a revisar su aspecto y significado, su sentido de crítica y denuncia social, quizás, también, como una burla a la memoria más reciente, a ese consumismo despilfarrador de la masa, fomentado por el bombardeo de la publicidad y los medios de comunicación.

MARCUS LÜPERTZ

Pintor, escultor y poeta, Marcus Lüpertz, nace en Checoslovaquia en 1941. Pintor, escultor y escritor alemán, está vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.

Vinculado al grupo Neue Wilden (Nuevos Salvajes), es uno de los miembros del neoexpresionismo alemán más rebeldes e individualistas. Sus obras son fuertemente expresivas, hecho que enfatizan la grandiosidad de sus formatos y el colorido fascinante que impregna sus cuadros. Temáticamente, suele partir de temas figurativos para derivarlos hacia la abstracción, recogiendo diversas influencias del arte del pasado; en especial, se suele inspirar en el paisaje y el cuerpo humano, que reinterpreta de una forma personal y espontánea. El artista se vale de una amplia variedad de géneros, materiales y técnicas para configurar la naturaleza en función de su propia realidad.

Su trayectoria artística se inicia en 1962 con la que él denomina pintura ditirámbica, estilo que, partiendo del informalismo, recrea la tradición artística alemana de forma personal y subjetiva; cercano al expresionismo abstracto de Antonio Saura o Willem de Kooning, se aleja de éste por su plasticidad, su cromatismo y su trazo figurativo, así como por el carácter compositivo de la obra. A finales de los 60 y comienzos de los 70 su obra se vuelve cada vez más figurativa: Cruces rojas-ditirámbico, Casco III-ditirámbico, Negro-Rojo-Oro I-ditirámbico. En los años posteriores Lüpertz se replantea su estilo, con una serie de obras inspiradas en Max Beckmann: Estilo. Niña mirando el muro de una casa, Estilo-de uno a diez, Estilo-3 cuadros sobre la creación de la tierra. En los años 80 realiza series sobre Orfeo y San Francisco de Asís, y otras inspiradas en Poussin Y Corot; aquí surge un dualismo entre representación formal y expresividad informalista, la voluntad de hacer una obra formalmente libre pero de carácter narrativo: Corot "Comida del filósofo" II, Fantasmas del espacio intermedio-"Ateísta", Según Poussin-Sin título I. Desde los 90 se afianza su estilo, más abstracto pero sin perder el carácter referencial, con un aire irónico o a veces paródico, un estudio subjetivo e intimista del arte.

Como escritor, Lüpertz edita su propia revista desde 2003, llamada Frau und Hund, editada en alemán y traducida a otros dos idiomas: Signora e cane, en italiano, y Femme et Chien, en francés. Lüpertz vive y trabaja entre Berlín, Karlsruhe, Düsseldorf y Florenc.

El vídeo que se ha visto en clase muestra su proceso de trabajo y aunque parece, a primera vista, un tanto caótico, los resultados son espectaculares. Me ha parecido muy interesante ver cómo va superponiendo capas y capas de colores que se van enriqueciendo a través de veladuras. Su pintura es de gesto, impetuosa, de colores sobrios y transparentes. Cada gesto y color recobre su sentido y posición en el cuadro.

El artista viene a decir que cada uno debe inventar su propia técnica, su propio lenguaje que le permita expresar lo que cada cual necesita expresar.

4º EJERCICIO DE CLASE

Como en los ejercicios anteriores busco estructurar bien el dibujo del modelo, ya que considero que trabajar con modelos es todo un lujo. También estudio la composición dentro del formato, la entonación y en este caso, una gama de color determinada.

SIGUIENDO CON EL PROYECTO PERSONAL

EL TIEMPO Y LA MEMORIA serán el hilo conductor que hilvane mi Proyecto Personal. Esta idea lleva arraigada en mi mente desde hace años, y tiene que ver con un proceso muy personal, una mirada a lo que ha sido mi vida, a lo que he vivido, a lo que he hecho y a lo que no.

TIEMPO Y MEMORIA es un tema resbaladizo. Soy consciente de ello. No es fácil materializar conceptos tan abstractos y personales con un lenguaje plástico. Pero es el que me interesa y con el que me muevo desde hace tiempo.

Siempre he creído que en el trabajo de cada persona inevitablemente interviene su personalidad, sus intenciones, motivación, la acción de comunicar algo y, quizás también, una necesidad de expresar ideas y vivencias. Esta personalidad, también inevitablemente, está compuesta por experiencias pasadas, imágenes, emociones, sentimientos, educación, cultura, sexo, edad, lugar geográfico en el que se nace, etc. MEMORIA, en definitiva, que siempre aflora y se manifiesta de manera consciente e inconscientemente, y que mientras se tiene es algo vivo, es como un registro que permanentemente se está regenerando; cuando se pierde, se deja de existir como persona. Quizás el miedo a perder la memoria, a olvidar lo que ha sido mi vida, las personas que la han habitado, los lugares por los que he transitado sea, en última instancia, lo que mi proyecto pretenda evocar. No se trata, por tanto, de trabajar con la memoria colectiva, sino la memoria individual, mi memoria.

Pues bien, siendo consciente que el tema en este proyecto es pura anécdota –sólo me interesa a mí- quiero transformarlo en un proceso de trabajo puramente plástico, quedando sólo la idea como el motor que genera el proyecto, ya que, insito, el objetivo esencial y último es puramente plástico y estético.

Para justificar este mi PROYECTO, me planteo trabajar con materiales y materias que hayan sufrido el paso del tiempo o que puedan ser trabajadas tal como se encuentra o puedan ser transformadas por mí a través del reciclaje, de mi manipulación, la oxidación, el color, las texturas…. Trabajar con esta idea tratando de aportar mi visión, es por lo que espero y deseo que interese este tema. Pero obviamente, mi apuesta por este proyecto tendrá un definitivo sentido cuando el espectador sea seducido y convencido viendo el trabajo en una sala de exposiciones, ámbito donde la estética deberá llamar la atención y, por qué no, las sensaciones se fundan con lo emotivo.

Los trabajos que presento son:

AUTORRETRATO EN CUATRO TIEMPOS

mixta s/tabla -collage, transferencia-

LA CASA QUE FUE
mixta s/tabla




AUSENCIAS
mixta s/tabla

TERCER EJERCICIO DE CLASE

Está trabajado con acrílico sobre tela de arpillera previamente preparada y dada una base de ocre claro, color que me ha servido de entonación general y que se deja ver en algunas zonas del fondo, pintado con una ligera veladura. La textura de esta tela me agrada, pero ha sido silenciada con empaste en las zonas que me ha interesado, con el objetivo de que no se repita indistintamente por el lienzo.

ESTRELLA DE DIEGO

Estrella de Diego es ensayista y Catedrática de Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid y ha sido profesora invitada en numerosas universidades españolas y extranjeras. Entre otras ha ocupado la Cátedra King Juan Carlos I of Spain of Spanish Culture and Civilization en la New York University (1998-99). Su investigación se centra en la teoría de género, los estudios visuales y poscoloniales y los orígenes de la Modernidad. En la actualidad es columnista habitual del diario El País y dirige la Serie Azul Mínima de la Editorial Siruela.

“ECHARSE A LA CALLE”

Para Estrella de Diego el arte brasileño de los años 60 no se limita a bucear en el arte nuevo, sino que supone un cambio profundo que pone en evidencia las contradicciones del discurso occidental, rompe las barreras del arte de occidente y da un salto conceptual con implicaciones a largo alcance para el arte, la cultura y la vida en general.

Si hasta entonces la historia del arte no había tenido en cuenta el arte de la “periferia”, a partir de la década de los 60 del pasado siglo, se comienza a tener en cuenta a los artistas de Latinoamérica. Brasil, concretamente, surge como un caso a parte en la dinámica del continente, comienza a cambiar en muchos aspectos. Y mucho tienen que ver las mujeres artistas en el giro que se da en las artes plásticas. La producción femenina se incluye en el discurso de la historia del arte en mayor medida que en otros países del entorno y escapan a ciertos modos de cliché excepcional.

Las artistas brasileños, especialmente Lygia Clark, Lygia Pape, Nazaret Pacheco, Nicola Constantico –argentina-, Valeska Soares…, marcarán con sus postulados el arte contemporáneo de Brasil, buscando el desplazamiento y la deconstrucción de los conceptos de obra de arte, de artista, surge una nueva relación obra y espectador; conceptos que se irán transformando de manera individual y en sus interrelaciones. Estas artistas se acercan a las nuevas tecnologías, toman nuevos soportes y participan activamente en el nuevo ambiente plástico que se impone: acciones urbanas –happening, cuyo creador fue el norteamericano Allan Kaprow-, manifestaciones, firma de manifiestos, etc., para realizar una fuerte crítica social al sistema. Sus obras tienen muy poco del arte al uso y hacen reflexionar sobre el valor de las obras de arte, sujeto a tantas cosas fuera de ellas mismas.

El arte sale del museo a la calle e implica al espectador. Surge el happening que incorpora la teatralidad al arte, integra arte y vida. Se lleva a cabo fuera del museo y se hace en un espacio y tiempo determinado.

De esta manera se hace un arte más activista con nuevas necesidades y plantea nuevos conceptos. El cuerpo se convierte en soporte de la obra. Es un arte para tocar y ser tocado, en el que además de lo visual adquieren importancia todos los sentidos, el olor, lo táctil o el sabor. El espectador forma parte de la obra de arte y el azar juega un papel importante, no se sabe lo que va a suceder en la acción, es la acción misma la que se va improvisando según interacciona con el espectado. De esta manera, el espectador pasa a ser un elemento activo de la obra. Un ejemplo claro lo tenemos en Félix Gonzáles Torres, que viene a cuestionar el propio concepto del arte, proponiendo una obra efímera, que no firma, que no numera y que con sus propuestas lo que hace es que el espectador acciona llevándose parte de la obra, de esta manera es él quien la va construyendo y reconstruyendo en cada momento. Surge también la acción en la naturaleza, el Land Art. Se toma conciencia de la necesidad de conservar la naturaleza y actuar sobre ella.

El arte, en definitiva, sale del museo y se hace en espacios diferentes y se manifiesta de muchas y variadas formas. Se abre una nueva manera de expresar y de sentir el arte.

SOBRE MI PROYECTO PERSONAL

Ya he comentado en otra ocasión, que comencé a pintar desde muy joven. Hoy, reconozco que no entiendo mi vida sin el arte y más exactamente, sin la pintura.

Hace tres cursos, elegí como optativa la asignatura de Arteterapia. Siempre había pensado que el arte no sólo tiene una función estética, sino muchas más. Y, quizás por eso, no dudé en elegirla cuando vi que se impartía en nuestra facultad.

Desde el principio me pareció una asignatura apasionante y los textos que se nos facilitaron para reflexionar sobre la función del arte como sanación de la mente, me sirvieron para afianzarme en muchos de los conceptos que fuimos viendo y que pronto, comencé a relacionar, inconscientemente, con mi proceso vital y de trabajo. También me hicieron reflexionar sobre lo negativo o destructivo de los sucesos que han ido hiriendo mi vida y las salidas que yo he sido capaz de ir buscando, entre ellas la pintura; aunque ésta siempre ha estado en mi vida, no ha sido consecuencia “de”, sino algo que siempre ha vivido paralelo a mi existencia desde que era muy joven.

Sin embargo, las circunstancias del tiempo en el que se vive, las de ser mujer en una sociedad en la que se nos relegó al ámbito de lo privado y no “despertar” a tiempo, las circunstancias personales ¡pesan tanto!, que al final del trayecto, todo es una pura “pregunta”, hasta la propia identidad. Y la pintura, esa amiga que me ha acompañado a lo largo de tantos años, su práctica, se vio relegada en más ocasiones de las que yo hubiera deseado.

Pese a todo, soy una mujer positiva que piensa con Ernesto Sábato, que el arte salva. A lo largo del tiempo, en los momentos duros y difíciles, me así al arte como única tabla de salvamento. ¿Lo he conseguido?

Reflexionando sobre el concepto de Arteterapia y algunos de los textos que fuimos viendo, descubro que hay ciertos elementos y temas que aparecen casualmente en mis trabajos plásticos de estos últimos años. Concretamente a partir del 2006, que se da un punto de inflexión en mi vida y en mi pintura.

Y es curioso observar cómo a raíz de varios hechos traumáticos seguidos en el tiempo, en esos momentos frágiles en los que el abismo y el caos acechan, comienza a surgir un nuevo proceso creativo con el que descubro y experimento nuevas necesidades expresivas tanto de contenido como de técnicas, que dan como resultado una pintura radicalmente distinta a la que venía haciendo. Quizás sólo sea lo que dice el psiquiatra Leo Navratil: la finalidad del acto creador, es su necesidad de dar orden a un nivel de vida para pasar a otro superior al que hay que seguir dando orden, y hace hincapié en lo instintivo como aquello que hay que ordenar[1]

Todas estas reflexiones, me han llevado a la necesidad de trabajar con la memoria y el paso del tiempo. Y este, es el PROYECTO PERSONAL en el que me interesa seguir trabajando.: materializar mi memoria individual. Pienso que las personas, hasta los lugares, tienen su memoria y no digo recuerdos, porque los recuerdos pasan y se acaban. La memoria, sin embargo, es algo vivo, algo que continuamente se está regenerando.

Iré dejando algunas reflexiones sobre este mi proyecto.

Hoy cuelgo algunos de los trabajos que voy realizado sobre el mismo. Es un tríptico titulado Tiempo, memoria y ausencias. Es una técnica mixta sobre papel. Collage, tranferencia, acuarela, aceite de oliva y betún de Judea.

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[1] LÓPEZ FERNÁNDEZ CAO, Marián y MARTÍNEZ DÍEZ, Noemí. ARTETERAPIA. Conocimiento interior a través de la expresión artística. Madrid, 2006. Ed. TUTOR. p. 123

TIEMPO, MEMORIA Y AUSENCIAS

SEGUNDO EJERCICIO DE CLASE

En este segundo ejercicio, el reto ha sido abordar una composición más compleja que el trabajo anterior, metiendo dos figuras situadas a distinta altura. De esta manera, las dos forman una diagonal, a la vez que se crea un ritmo curvo que arranca desde la tela roja, el cuerpo femenino que engarza con las piernas, brazos y tela negra de la figura masculina.

Aunque el color se comenzó con una gama más fría, se fue calentando y trabajando los complementarios.

SEGUNDO EJERCICIO DE CLASE