ALGO MÁS SOBRE MI PROYECTO

Desde hace algún tiempo me interesa el Arte Conceptual

En este proyecto personal trato de conocer a aquellos artistas que de una u otra manera, me aporten en mi proceso de trabajo, bien con sus conceptos teóricos o con sus técnicas de trabajo. Me ha interesado conocer a fondo y acercarme al “informalismo matérico” de Antoni Tàpies. A través de su pintura ha hecho que nos interesemos por los materiales con los que nunca se había trabajado, materiales cuya belleza antes nunca nos había mostrado el arte. En su obra el cartón ondulado, el polvo de mármol, la degradación de una superficie, la arpillera, han adquirido un valor estético tradicionalmente ignorado. Su lenguaje supuso un cambio fundamental sobre lo que hasta entonces había sido propio del arte de vanguardia e incluso sobre muchas de las variantes del que en la época se llamó “arte informal”.

De Tàpies me interesa la materia, la textura, la utilización del color: tierras naturales, ocres, azul, negro, blanco… y el que, generalemente, utilice la materia con su propio color natural; esto, para mi, ya da sentido al cuadro. Me interesa su dramatismo, su profundidad.

De Lucio Muñoz me atraen los tintes poéticos de su obra dentro también de su estética informalista, que elaboró con madera, papel, materiales rotos y pintados, a veces incluso quemados, que generan un lenguaje de dibujos y relieves íntimo y personal.

También me atrae la obra de Miquel Barceló preocupado siempre por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes. Me interesa su versatilidad temática y de materiales.

Joseph Beuys. También utiliza materiales naturales ligados a su pasado y a su memoria: maderas, metales calcinados, materiales de deshecho, fieltro, grasa, huesos…

La obra de Anselm Kiefer no sólo me interesa por su lenguaje matérico de gruesas capas de color con fuego o ácidos y combinándolas con vidrio, madera o elementos vegetales, sino porque en sus obras fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromática casi monocroma, mezclando materiales como alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar. Me interesa también su temática.

Buscando artistas que trabajen sobre la memoria, ha sido muy interesante también, descubrir la obra del pintor granadino y profesor nuestro Emilio Zurita y su exposición Memoria Líquida. Sobre la memoria dice: "es orgánica. Dejamos caer en ella nuestros propios restos. Es como una compañía deseada y detestable”.

Mucho he aprendido, como no, de Louise Bourgeois, Ana Mendieta, Soledad Sevilla, Concha Jerez –galardonada en este año con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes 2010 y a la que le asistí a un seminario de arte en nuestra facultad de Granada-, Cindy Sherman, Eva Lootz o Marlene Dumas entre otras. Cada una de ella construye su discurso personal en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del ser humano, y defienden apasionadamente la pintura y la escultura como medio de expresión.

CONTINÚO TRABAJANDO SOBRE MI PROYECTO PERSONAL

Ya he comentado en otra entrada, que desde hace un tiempo mi obra se mueve por un viaje interior que bucea a través de la memoria y el tiempo, rescatando mi relación con el pasado y con el presente, mi lucha interior por encontrar el ser que me habita, los sentimientos y las emociones que me mueven.

En estos trabajo recreo un espacio en el que el color, la materia y el gesto se mueven buscando forma y contenido, lo que se ve y lo oculto. Tengo un claro interés por explorar universos plásticos diferentes que me sirven para tomar conciencia y reflexionar sobre la vida y la muerte, sobre la incertidumbre relacionada con el tiempo y mis temores, sobre la angustia y la soledad. En definitiva el lienzo se convierte en un proceso de introspección que explora sobre mi yo, sobre mi mundo personal y el que me circunda y que, en parte, se desvela a través de lo representado.

Para mí, el arte, la creación, es una ventana desde la cual podemos reflexionar sobre nuestra existencia, desde la cual nos volvemos testigos y dueños de nuestra propia imaginación y por más muros que existan a nuestro alrededor, las imágenes permanecen haciéndonos compañía aún en el silencio de la oscuridad.

La técnica que trabajo es básicamente mixta sobre soportes de madera, papel y metal. Los formatos no son mayores de 1,70 x 1,50

OTRO EJERCICIO DE CLASE

En este trabajo me he planteado abordar el rostro en grandes dimensiones y estructurar bien el dibujo ayudándome del color. He aprovechado la textura del lienzo reutilizado, para darle mayor expresividad.

JEFF KOONS

Puppy Museo Guggenhein. Bilbao. Jeff Koons



Artista norteamericano nacido en Pennsylvania en 1955.

Su obra ha sido clasificada con frecuencia como minimalista y neo-pop. También es considerado como el artista de lo kitsch y el artista vivo más cotizado de los Estados Unidos

No parece casual su aparición en la cultura de lo global en la década de los 80, cuando reinaba el consumismo en una sociedad banal y exagerada. Descendiente directo de Duchamp y de las técnicas artesanales y baratas de Warhol, su misma vida la asume como un gesto artístico. Toda su obra se realiza en un taller que convierte en una auténtica factoría en la que trabajan más de treinta personas, similar a la que montara Andy Warhol.

Koons trabaja la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía y quizás haya sido el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Artista no exento de polémica pero indiscutible generador de ideas, la obra de Koons es irónica y malevolente y la conforman objetos convertidos en escenas sacadas de contexto. Son objetos cotidianos que coloca en galería y espacios públicos y que adquieren un nuevo valor,t trabajados con plástico, cerámicas baratas, juguetes y globos inflables, se convierten en emblemas de fama, riqueza, poder, moralidad…, que fuera de su entorno racional nos obligan a revisar su aspecto y significado, su sentido de crítica y denuncia social, quizás, también, como una burla a la memoria más reciente, a ese consumismo despilfarrador de la masa, fomentado por el bombardeo de la publicidad y los medios de comunicación.

MARCUS LÜPERTZ

Pintor, escultor y poeta, Marcus Lüpertz, nace en Checoslovaquia en 1941. Pintor, escultor y escritor alemán, está vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.

Vinculado al grupo Neue Wilden (Nuevos Salvajes), es uno de los miembros del neoexpresionismo alemán más rebeldes e individualistas. Sus obras son fuertemente expresivas, hecho que enfatizan la grandiosidad de sus formatos y el colorido fascinante que impregna sus cuadros. Temáticamente, suele partir de temas figurativos para derivarlos hacia la abstracción, recogiendo diversas influencias del arte del pasado; en especial, se suele inspirar en el paisaje y el cuerpo humano, que reinterpreta de una forma personal y espontánea. El artista se vale de una amplia variedad de géneros, materiales y técnicas para configurar la naturaleza en función de su propia realidad.

Su trayectoria artística se inicia en 1962 con la que él denomina pintura ditirámbica, estilo que, partiendo del informalismo, recrea la tradición artística alemana de forma personal y subjetiva; cercano al expresionismo abstracto de Antonio Saura o Willem de Kooning, se aleja de éste por su plasticidad, su cromatismo y su trazo figurativo, así como por el carácter compositivo de la obra. A finales de los 60 y comienzos de los 70 su obra se vuelve cada vez más figurativa: Cruces rojas-ditirámbico, Casco III-ditirámbico, Negro-Rojo-Oro I-ditirámbico. En los años posteriores Lüpertz se replantea su estilo, con una serie de obras inspiradas en Max Beckmann: Estilo. Niña mirando el muro de una casa, Estilo-de uno a diez, Estilo-3 cuadros sobre la creación de la tierra. En los años 80 realiza series sobre Orfeo y San Francisco de Asís, y otras inspiradas en Poussin Y Corot; aquí surge un dualismo entre representación formal y expresividad informalista, la voluntad de hacer una obra formalmente libre pero de carácter narrativo: Corot "Comida del filósofo" II, Fantasmas del espacio intermedio-"Ateísta", Según Poussin-Sin título I. Desde los 90 se afianza su estilo, más abstracto pero sin perder el carácter referencial, con un aire irónico o a veces paródico, un estudio subjetivo e intimista del arte.

Como escritor, Lüpertz edita su propia revista desde 2003, llamada Frau und Hund, editada en alemán y traducida a otros dos idiomas: Signora e cane, en italiano, y Femme et Chien, en francés. Lüpertz vive y trabaja entre Berlín, Karlsruhe, Düsseldorf y Florenc.

El vídeo que se ha visto en clase muestra su proceso de trabajo y aunque parece, a primera vista, un tanto caótico, los resultados son espectaculares. Me ha parecido muy interesante ver cómo va superponiendo capas y capas de colores que se van enriqueciendo a través de veladuras. Su pintura es de gesto, impetuosa, de colores sobrios y transparentes. Cada gesto y color recobre su sentido y posición en el cuadro.

El artista viene a decir que cada uno debe inventar su propia técnica, su propio lenguaje que le permita expresar lo que cada cual necesita expresar.

4º EJERCICIO DE CLASE

Como en los ejercicios anteriores busco estructurar bien el dibujo del modelo, ya que considero que trabajar con modelos es todo un lujo. También estudio la composición dentro del formato, la entonación y en este caso, una gama de color determinada.