TERMINA EL CURSO

Debo reconocer que el curso ha pasado en un vuelo, como la luz de la luna en el eclipse de esta noche. A pesar de ello lo he disfrutado tanto, que no me pesan los kilómetros que he tenido que hacer en estos nueve meses.

Hay docentes que son decisivos en nuestras vidas, sobre todo, en la edad de la adolescencia. Reconozco que yo me he topado con algunos muy buenos, y no quiero caer en el tópico maniqueo de buenos y malos. Pero hay algunos que calan, que te llegan al alma y suponen las claves a partir de las cuales comprendemos cuán valioso es el conocimiento. En este curso, he encontrado alguno. También a compañeras y compañeros, tan jóvenes, de los que he aprendido mucho.

Nuestra Facultad de Bellas Artes, como el resto de facultades, está inmersa en un contexto de cambios y adaptaciones al Espacio Europeo que, a veces, nos ilusiona y otras no da vértigo. Pero a mi edad, la universidad se ha convertido en ese lugar en el que siempre podré mejorar y perfeccionar mi conocimiento. Y, en ese sentido, mi eterno agradecimiento.

FELIZ VERANO A TODAS Y A TODOS

SOBRE LA OBRA DE JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

“El espacio es el protagonista total del cuadro”

Esta frase del pintor catalán, quizás, nos pueda dar muchas de las claves que hilvanan su trayectoria pictórica y la manera con la que se enfrentó a su proceso de trabajo.

Ayer, el profesor y Vicedecano de Cultura y Estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, Josep Montoya, nos deleitó con un singular recorrido por la mirada, actitud y pensamiento del pintor catalán Hernández Pijuan en su pintura, con motivo de la exposición que sobre el artista se puede ver en estos días en el palacio de la Madraza de la ciudad de Granada.

Siempre he pensado que la pintura de Hernández Pijuan, de entrada, es una pintura compleja por lo desnuda, sintética, austera, silenciosa, cadenciosa, por lo libre, por lo plástica y, quizás también intuía, por lo sincera y honesta.

El profesor Montoya, que ha tenido una relación personal con el artista y es un estudioso de su obra, hizo una reflexión como él mismo señaló, de pensar a posteriori cómo ha sido el encuentro y las conversaciones con Pijuan. Y estructuró la charla alrededor de tres conceptos esenciales a tener en cuenta a la hora de enfrentarnos a la obra del pintor catalán: tiempo, orden y posicionamiento.

• TIEMPO DUAL: el que se sucede en la ciudad, tiempo de acumulación, de fragilidad, en el que trabaja con materiales frágiles como el papel y materiales fluidos. Y el tiempo que se sucede en el campo, tiempo de despojamiento, que marca el ritmo vital de otro modo, no tanto en la extensión sino que obliga a cumplir con lo necesario y a eliminar la frivolidad de todo lo que se contempla; por ello, su pintura se densifica y los materiales que se utilizan son más contundentes. Pintor y pintura, frente a frente.
• ORDEN, en el sentido de organización de las partes para hacer una pintura personal y precisa y en la que Pijuan toma tres actitudes:

- percibir / sentir

- interiorizar / memorizar

- constatar / manifestar

· POSICIONAMIENTO. Todo lo percibido es material sensible para hacer pintura. Pero en este percibir-sentir, el pintor toma el posicionamiento de deriva de la mirada en lo aparentemente conocido. Mirada conseguida, también en su persistencia y en el ritual realizado en el estudio, en la práctica de la pintura. Siendo para Pijuan la práctica de la pintura como práctica del conocimiento. Actitud que parte de la necesidad de pintar en silencio, de atención a los pequeños signos, gestos, de contemplación. Tiempo de contemplación y silencio como máximo ejercicio para sentir y conseguir la obra.

El arte si existe, dice Pijuan, es en el taller. Y es en el taller donde el compromiso con el arte se hace patente, el compromiso con un concepto del tiempo más lento y moroso, que le lleva a pensar desde el arte, desde la coherencia, desde el compromiso. Es la búsqueda de un conocimiento más completo, más complejo, más preciso de la pintura, sin sobresaltos, sin espectacularidad ni artificio. El arte siempre como cuestionamiento, como pensamiento y meditación que, en su caso, se transforma en una confesión vital que se trasluce en la esencia de sus paisajes desnudos e íntimos, en las incisiones firmes sobre la materia, en su manifestación sintética, en la sobriedad de su color, en el silencio de sus espacios, en su mirada como pensamiento.

Termino con dos frases de Pijuan que comparto:

Mientras haya emoción, no hay repetición

Los cuadros se parecen a quienes los pintan

ÚLTIMO EJERCICIO DE CLASE

Han sido muchos las dificultades personales que he tenido para concluir este ejercicio. Teníamos que interpretar y trabajar con colores enteros. Yo he utilizado los complementarios y he reforzado la línea de contorno en negro que da cierto hieratismo a la figura.

ALGO MÁS SOBRE MI PROYECTO

Desde hace algún tiempo me interesa el Arte Conceptual

En este proyecto personal trato de conocer a aquellos artistas que de una u otra manera, me aporten en mi proceso de trabajo, bien con sus conceptos teóricos o con sus técnicas de trabajo. Me ha interesado conocer a fondo y acercarme al “informalismo matérico” de Antoni Tàpies. A través de su pintura ha hecho que nos interesemos por los materiales con los que nunca se había trabajado, materiales cuya belleza antes nunca nos había mostrado el arte. En su obra el cartón ondulado, el polvo de mármol, la degradación de una superficie, la arpillera, han adquirido un valor estético tradicionalmente ignorado. Su lenguaje supuso un cambio fundamental sobre lo que hasta entonces había sido propio del arte de vanguardia e incluso sobre muchas de las variantes del que en la época se llamó “arte informal”.

De Tàpies me interesa la materia, la textura, la utilización del color: tierras naturales, ocres, azul, negro, blanco… y el que, generalemente, utilice la materia con su propio color natural; esto, para mi, ya da sentido al cuadro. Me interesa su dramatismo, su profundidad.

De Lucio Muñoz me atraen los tintes poéticos de su obra dentro también de su estética informalista, que elaboró con madera, papel, materiales rotos y pintados, a veces incluso quemados, que generan un lenguaje de dibujos y relieves íntimo y personal.

También me atrae la obra de Miquel Barceló preocupado siempre por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes. Me interesa su versatilidad temática y de materiales.

Joseph Beuys. También utiliza materiales naturales ligados a su pasado y a su memoria: maderas, metales calcinados, materiales de deshecho, fieltro, grasa, huesos…

La obra de Anselm Kiefer no sólo me interesa por su lenguaje matérico de gruesas capas de color con fuego o ácidos y combinándolas con vidrio, madera o elementos vegetales, sino porque en sus obras fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromática casi monocroma, mezclando materiales como alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar. Me interesa también su temática.

Buscando artistas que trabajen sobre la memoria, ha sido muy interesante también, descubrir la obra del pintor granadino y profesor nuestro Emilio Zurita y su exposición Memoria Líquida. Sobre la memoria dice: "es orgánica. Dejamos caer en ella nuestros propios restos. Es como una compañía deseada y detestable”.

Mucho he aprendido, como no, de Louise Bourgeois, Ana Mendieta, Soledad Sevilla, Concha Jerez –galardonada en este año con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes 2010 y a la que le asistí a un seminario de arte en nuestra facultad de Granada-, Cindy Sherman, Eva Lootz o Marlene Dumas entre otras. Cada una de ella construye su discurso personal en torno a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del ser humano, y defienden apasionadamente la pintura y la escultura como medio de expresión.

CONTINÚO TRABAJANDO SOBRE MI PROYECTO PERSONAL

Ya he comentado en otra entrada, que desde hace un tiempo mi obra se mueve por un viaje interior que bucea a través de la memoria y el tiempo, rescatando mi relación con el pasado y con el presente, mi lucha interior por encontrar el ser que me habita, los sentimientos y las emociones que me mueven.

En estos trabajo recreo un espacio en el que el color, la materia y el gesto se mueven buscando forma y contenido, lo que se ve y lo oculto. Tengo un claro interés por explorar universos plásticos diferentes que me sirven para tomar conciencia y reflexionar sobre la vida y la muerte, sobre la incertidumbre relacionada con el tiempo y mis temores, sobre la angustia y la soledad. En definitiva el lienzo se convierte en un proceso de introspección que explora sobre mi yo, sobre mi mundo personal y el que me circunda y que, en parte, se desvela a través de lo representado.

Para mí, el arte, la creación, es una ventana desde la cual podemos reflexionar sobre nuestra existencia, desde la cual nos volvemos testigos y dueños de nuestra propia imaginación y por más muros que existan a nuestro alrededor, las imágenes permanecen haciéndonos compañía aún en el silencio de la oscuridad.

La técnica que trabajo es básicamente mixta sobre soportes de madera, papel y metal. Los formatos no son mayores de 1,70 x 1,50

OTRO EJERCICIO DE CLASE

En este trabajo me he planteado abordar el rostro en grandes dimensiones y estructurar bien el dibujo ayudándome del color. He aprovechado la textura del lienzo reutilizado, para darle mayor expresividad.

JEFF KOONS

Puppy Museo Guggenhein. Bilbao. Jeff Koons



Artista norteamericano nacido en Pennsylvania en 1955.

Su obra ha sido clasificada con frecuencia como minimalista y neo-pop. También es considerado como el artista de lo kitsch y el artista vivo más cotizado de los Estados Unidos

No parece casual su aparición en la cultura de lo global en la década de los 80, cuando reinaba el consumismo en una sociedad banal y exagerada. Descendiente directo de Duchamp y de las técnicas artesanales y baratas de Warhol, su misma vida la asume como un gesto artístico. Toda su obra se realiza en un taller que convierte en una auténtica factoría en la que trabajan más de treinta personas, similar a la que montara Andy Warhol.

Koons trabaja la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía y quizás haya sido el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Artista no exento de polémica pero indiscutible generador de ideas, la obra de Koons es irónica y malevolente y la conforman objetos convertidos en escenas sacadas de contexto. Son objetos cotidianos que coloca en galería y espacios públicos y que adquieren un nuevo valor,t trabajados con plástico, cerámicas baratas, juguetes y globos inflables, se convierten en emblemas de fama, riqueza, poder, moralidad…, que fuera de su entorno racional nos obligan a revisar su aspecto y significado, su sentido de crítica y denuncia social, quizás, también, como una burla a la memoria más reciente, a ese consumismo despilfarrador de la masa, fomentado por el bombardeo de la publicidad y los medios de comunicación.